Está info fue transcripta por mí desde la revista La Mano, de la sección escrita por Alfredo Rosso titulada "¿Cómo se hizo?" Por lo tanto la fuente es dicha revista en diferentes números mensuales. Sólo rescaté algunas canciones de esa sección, las que más me interesaron. Con suerte, les interesarán también.
All Along The Watchtower
En 1967, Bob Dylan editó John Wesley Harding, después del período de reclusión y convalecencia que siguió a un accidente motociclístico del año previo. Uno de sus temas fundamentales era All along the watchtower, que parecía aludir, en forma oblicua, a la frutración que sentía con su manager y grabadora, que al parecer le estaba pagando un porcentaje de regalías mucho menor al de su status artístico. En la letra hay un diálogo entre dos personajes: el joker, o sea el bufón, y el thief, el ladrón. "Debe haber alguna manera de salir de aquí" dice el primero, "hay demasiada confusión, nada que me alivie". Y se queja de los "hombres de negocio", que beben de su vino y de los labradores que aran su tierra, y agrega "ninguno de ellos
sabe lo que vale todo esto."
El ladrón le aconseja no preocuparse demasiado, ya que ambos están por encima de semejantes cuestiones materiales. "No hay razón para excitarse", le responde, "muchos aquí piensan que la vida no es sino una broma, pero vos y yo hemos pasado ya por eso, y ese no es nuestro destino. De modo que no hablemos en vano, que se está haciendo tarde." La impaciencia del ladrón es coherente con su idea de que hay cuestiones más importantes y urgentes de que ocuparse en la vida. Y como contraste final están las imágenes de la última estrofa: por un lado la placidez y el conformismo cortesano de esa especie de castillo o torre de vigilancia. Por el otro percibimos una especie de incierta amenaza en el panorama que se divisa a lo lejos, expresada en las dos líneas: "... a lo lejos, un gato montés gruñó/ Dos jinetes se aproximaban y el viento comenzó a aullar."
Jimi Hendrix era un gran fanático de Dylan y quizás se identificó con estas metáforas, ya que el también tenía un lío managerístico por haber firmado contratos poco claros. Ni bien la escuchó, decidió incluirla en el albúm Electric Ladyland. Partiendo del original acústico, hizo un arreglo eléctrico, añadiendo color y dramatismo (ya desde su comienzo casi marcial, con una percusión bien marcada) para alcanzar un climax en la parte central con unos solos devastadores. Se destacan especialmente los efectos de la guitarra slide (obtenidos con la ayuda de un encendedor), el arreglo de wah-wah y el alarido final de la guitarra.
El propio Dylan reconoció el poder de la versión de Hendrix y para su gira con The Band en 1973 diseñó un arreglo más denso que quedó registrado en Before the flood. Incluso llegó a confesar:"Es extraño como, cuando canto All along the watchtower siento que es un tributo mío a Hendrix, en lugar de ser a la inversa."
Cómo y cuando se le ocurrió la idea de grabarlo no está del todo claro. Dave Mason, de Traffic, que tocó guitarra acústica en el tema, afirma que Hendrix escuchó por primera vez John Wesley Harding en Londres, en una fiesta íntima con pocos amigos. Por su parte, Andy Johns, ingeniero de los estudios Olympic, sostiene que en más de una ocasión Hendrix había llegado al estudio con cintas de temas de Dylan. La cuestión es que se grabó el domingo 21 de enero de 1968. Hendrix había discutido con su bajista Noel Redding, de modo que se hizo cargo de las partes del bajo, en un instrumento que había sido de Bill Wyman, de los Stones. Se hicieron 24 tomas, hasta que todos los presentes estuvieron satisfechos con los resultados.
La versión de Dylan, en un interesante video
link: http://www.videos-star.com/watch.php?video=ki1eM9sls7M
La versión de Hendrix, en vivo en Isle of wight 1970
link: http://www.videos-star.com/watch.php?video=BCwCBh0z3Hs
Satisfaction
Según cuenta la leyenda, Satisfaction, esa canción propulsada por un riff irresistible que le vino a la mente, de la nada, a un músico que no conseguía conciliar el sueño. El año era 1965, el lugar, una habitación de hotel de Clearwater, Florida, y el hombre que tenía problemas para dormir era Keith Richards, primer guitarrista de los Rolling Stones, quien desde hacía no mucho tiempo había estrenado un flamante sociedad autoral con el cantante Mick Jagger.
En este caso, sin embargo, el insomnio probó ser fructífero. La recompensa para Keith fue que esa noche surgió en su cabeza una peculiar progresión de acordes. A la mañana sigueinte, Richards inmortalizó el riff de guitarra en su grabador portátil a cassette para hacérselo escuchar a su compañero de tareas, sugiriéndole (además) una frase a modo de nombre tentativo: I can't get no satisfaction (no consigo satisfacción).
"Era sólo un título provisorio", declararía Richards tiempo después, "nunca pensé que el tema sería suficientemente comercial como para integrar un single."
Afortunadamente, sus compañeros de grupo no estuvieron de acuerdo: el 10 de mayo de 1965, los Stones entraban en los estudios Chess de Chicago para grabar cuatro canciones destinadas a su tercer larga duración, Out of our heads, y además para registrar la primera toma de Satisfaction. Al día sigueinete volaron a Los Ángeles y completaron el tema durante una sesión de grabación de 18 horas en los estudios que RCA tenía en Hollywood.
Al riff característico de Richards, Mick Jagger le acopló una letra que hablaba de las frustraciones sexuales y sociales de un típico joven de los años sesenta, que veía crecer la sociedad de consumo a su alrededor sin poder obetener...bueno, ya se lo imaginan, ¿no? Decía "cuando miro la televisión/aparece un tipo que me dice/cuán blancas pueden llegar a verse mis camisas/pero no puede ser un hombre hecho y derecho/porque no fuma los mismos cigarrillos que yo/no puedo obtener satisfacción/por más que lo intento, una y otra vez..."
El simple fue editado primero en Estados Unidos, alcanzó el primer puesto del chart de singles el 10 de julio de 1965 y se quedó en ese lugar de privilegio durante cuatro semanas. En aquel entonces, como en el caso de los Beatles, las ediciones de los álbumes estadounidenses de los Rolling Stones diferís de sus similares inglesas. Fue así que la versión yanqui de Out of our heads terminón incluyendo dos exitosos singles de los Stones: The last time y el propio Satisfaction, y esa fue la compaginación que se utilizó en el ejemplar argentino, que salió titulado De nuestra imaginación.
A la fecha existen más de 230 versiones. La más bizarra es probable que sea la del grupo Residents, aunque el excéntrico cover que Devo puso en su albúm debut Q:Are we not men? A:We are Devo, no le va en zaga. Entre las más recordadas está la emotiva, sudorosa interpretación de Otis Redding, que supo ser los puntos altos del festival de Monterey 1967.
Demás está decir que Satisfaction se convirtió en un clásico para los propios Stones. Aún hoy, 42 años después, sigue siendo un favorito del repertorio de la banda.
La versión de los Rolling, en vivo en The Ed Sullivan Show 1966
link: http://www.videos-star.com/watch.php?video=O3jxmWU5lFA
La versión de The Residents
link: http://www.videos-star.com/watch.php?video=yHWf74kg2cc
La versión de Devo
link: http://www.videos-star.com/watch.php?video=CvcuaJy9OwI
I am the walrus
A mediados de 1967, mientras público, críticos y colegas derramaban alabanzas sobre Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band,los Beatles ya estaban de nuevo en actividad. El 25 de junio graban All you need is love, escrito para el programa Our world, como parte de la primer transmisión mundial de TV, con una audioencia estimada en 400 millones de espectadores. Lennon quería mostrar ante el mundo al amor como panacea universal, un mensaje acorde con el espíritu optimista que imperaba en aquellos meses del "verano del amor."
Ese clima de optimismo y buenas vibraciones se cortó de golpe en agosto del 67: cuando reciebieron la noticia de que su manager Brian Epstein habia fallecido por una sobredosis accidental de somníferos. La mejor panacea ante semejante pérdida fue embarcarse en la realización del film Magical Mystery Tour. El concepto había pensado por McCartney, tras leer sobre las aventuras de Kesey con sus Merry Pranksters. Paul recordó también las "giras misteriosas", una costumbre del norte de Inglaterra, según la cual algunas familias se subían a un omnibus contratado para un viaje recreacional cuyo detino final sólo conocía el conductor.
La idea era que los Beatles (más un puñado de actores) se subieran a un micro y salieran al camino a filmar lo que ocurriera. Pintado de amarillo y azul, el micro partió de Londres el 11 de septiembre de 1967. Tenían un argumento mínimo: Ringo y su tía Jessie visitan una agencia de turismo donde el encargado (Lennon) los convence de realizar una gira mágica. Mientras tanto, en el cielo, hay cuatro magos que arrojan sus hechizos sobre el ómnibus y convierten el paseo en un viaje surrealista.
Como banda de sonidos, editaron dos EPs con 6 temas y un librito de 24 páginas. Una de las canciones era I am the walrus, de Lennon. Su naturaleza cambiante se debe a que es la amalgama de por lo menos 3 ideas diferentes. La primera fue inspirada por escuchar desde su casa una sirena policial a la distancia, y comenzaba con las palabras "Mister city, police man city". La segunda era una melodía pastoral donde reflexionaba sobre sí mismo, sentado en el jardín de su casa. La tercera era un tema fantasioso y comenzaba con la imagen de un personaje sentado sobre un copo de maíz.
De acuerdo a su amigo Pete Shotton, el catalizador que unió las diferentes partes fue una carta que le envió a John un
estudiante que le contó que el profesor de literatura alentaba a los estudiantes a analizar las letras de los Beatles. Esto divirtió a Lennon, quien pareció decidido a confundirlos con las frases más sorprendentes e inconexas que se le pudiesen ocurrir. Le pidió a Shotton que le recordara una rima medio chancha que cantaban cuando niños, un equivalente a "sangre coagulada revuelta en ensalada" que recitan los niños argentinos; en inglés era algo así como "un flan amarillo saliendo del ojo de un perro muerto."
La frase "semolina pilchard" parece haber sido una referencia satírica al detective Norman Pilcher, quien tuvo cierta fama por perseguir a los artistas pop en busca de drogas Más tarde se descubrió que fabricaba evidencia para lograr sus fines y fue expulsado de la fuerza y enviado a prisión.
La parte "elementary penguin singing Hare Krishna" puede haber sido una broma al escritor Allen Ginsberg, quien en aquellos días solía cantar el mantra religioso en público. La figura de la morsa, en sí, proviene del poema de Lewis Carroll, The walrus and the carpentes.
Por otra parte, se dice que la referencia al eggman estaba dedicada a Eric Burdon, de los Animals, quien tenía la costumbre, durante sus escaramuzas amorosas, de romper huevos y esparcir el contenido sobre el cuerpo de su amante de turno, de allí el sobrenombre de "Hombre huevo" que le pusieron sus compañeros.La grabación de I am the walrus comenzó el 5 de septiembre de 1967 y duró buena parte de un mes, ya que el productor George Martin utilizó violines, cellos, bronces, clarinete y un coro de 16 voces para acompañar a los Beatles.
La versión beatle
link: http://www.videos-star.com/watch.php?video=cqOKvonLrH8
La versión de Jim Carrey (si, el actor) que aparece en el álbum de George Martin de 1988 In My Life. Al final de la versión, grita, "¡Lo hice! He profanado una eterna pieza de arte! Para mi próximo truco pintaré una cara de payaso en la Mona Lisa mientras uso el Santo Sudario como lona protectora!"
link: http://www.videos-star.com/watch.php?video=oPkytVdy5Us
La versión del maestro Frank Zappa
link: http://www.videos-star.com/watch.php?video=qVF66GVj8zU
Layla
La inspiración para el tema Layla le vino a Eric Clapton de una historia de amor de Medio Oriente, llamada Layla y Majnun.
Supuestamente, está basada en una historia real amibientada en el siglo VII, acerca de un pastor árabe que se enamora
perdidamente de una chica y termina enloqueciendo cuando su padre se opone a que se case con ella. De allí proviene el nombre del pobre enamorado, ya que Majnun Layla se traduce literlamente como "loco por Layla."
Es fácil de entender porqué la historia fascinó tanto a Clapton, pues por aquel entonces el ex-guitarrista de Cream estaba absolutamente loco de amor por Pattie Boyd, la esposa de sua amigo el beatle George Harrison, pasión que en ese momento aún no era correspondida.
Layla se transformó en el tema principal y título del abúm que grabaría en 1970 con Derek an The Dominos. después de la fama y la fiebre mediática que había rodeado sus grupos anteriores, Cream y Blind Faith, se había ido de gira(casi como terapia de recuperación) con la banda del dúo estadounidense Delanye & Bonnie. Más tarde convocó a todos esos músicos a participar en su primer albúm como solista, y de ese núcleo surgieron los miembros de Derek & The Dominos: Bobby Whitlock en teclados, Carl Radle en bajo y Jim Gordon en batería. Deseoso de grabar en las mejores condiciones posibles, reservó los estudios Criteria, de Miami, y contrató al experimentado ingeniero y productor Tom Dowd para que para que se hiciera cargo de las sesiones.
Quiso la fortuna que el guitarrista de los Allman Brothers, Duane Allman, estuviera por los estudios, quien pronto desarrolló una excelente química con Clapton y se transformó en un invitado de lujo en la grabación, compartiendo varios contrapuntos electrizantes.
La pasión que encendió Pattie en Clapton fue el disparador de los mejores temas; canciones como Why does love have to be so sad, I am yours, Bell botttom blues, el gran cover del tema de Billy Myles, Have you ever loved a woman y (por supuesto) el clásico que se convertitría en título del álbum y en número obligado en todos los recitales de Clapton en años venideros.
Lo curioso es que semejante hito en la carrera de Eric no fue grabado todo de golpe. La primer parte, la que contiene el riff característico de guitarra y la desesperada parte vocal de Clapton fue (duarnte varios días) todo lo que existió del tema; Dowd incluso llegó a efectuar una primera mezcla de lo ya grabado. Para sorpresa del veternao productor, después de un recital en Miami, los Dominos regresaron al estudio para registrar la segunda sección de Layla. Esta parte, instrumental, nació de un pasaje de piano que se le ocurrió (paradójicamente) al baterista Jim Gordon. Dowd debió transpirar y hacer uso de todas sus habilidades para que coincidieran las dos partes del tema, pero el resultado fue sorprendente: Derek & The Dominos habían grabado un clásico atemporal.
La versión de Clapton solista con el genio de Mark Knopfler en el Royal Albert Hall en 1997
link: http://www.videos-star.com/watch.php?video=_ae2uidckqE
The end
No fue casual que Francis Ford Coppola la eligiese como tema central de su fil Apocalipse Now. Con sus doce minutos de duración, su sonido envolvente y sus imágenes apocalípticas, The end cerraba grandiosamente un disco que el consenso del público y de la crítica especializada consideró como uno de los más impersionantes debuts de la historia del rock.
El tema comenzó como una simple canción de despedida de un amante, sobre una hipnótica progresión de acordes. Pero ya los otros Doors, el tecladista Ray Manzarek, el guitarrista Robbie Krieger y el baterista John Densmore, habían demostrado su habilidad para la libre improvisación durante las largas noches en que los Doors tocaron en clubs de Los Angeles como el Whiskey A Go Go, y fue así como The end se transformó en una larga composición donde la banda partía hacia destinos musicales imprevisibles.
Entretanto, Morrison correspondía con estrofas más profundas y enigmáticas, extraídas de su famoso cuaderno de poesía escrito en los días en que vivía en la playa de Venice. "Este es el fin/hermosa amiga, mi única amiga/ el fin de nuestros planes elaborados/el fin de todo lo que yace en pie... necesitamos desesperadamente la mano de un extraño/ en una tierra desesperada."
Buena parte de la magia atemporal de The end tiene que ver con ese matrimonio ideal de letra y música. Los sonidos se vuelven más densos y ominosos a medida que profundiza su relato de una sociedad compleja y dividida, un espejo de la brecha generacional de aquel momento, entre padres aferrados a una idea de felicidad basada en el credo del consumo y de la superioridad militar de los Estados Unidos sobre el resto del mundo; y sus hijos, en busca de una alternativa humanista para sus vidas y encontrando escollos casi insalvables en su camino: "perdidos en una romana desolación de dolor/ y todos los chicos están dementes... hay peligro en el borde de la ciudad."
La sección central trae la calma previa a la tempestad: menciona un símbolo sexual (la serpiente) y un lago antiguo, símbolo primigenio de vida, antes de irse al extremo opuesto e ironizar con la teoría de que "Occidente es mejor", todo esto en plena época de la guerra de Vietnam. De hecho, el ómnibus azul que menciona bien podría ser el que arreba a los soldados a los cuarteles. Luego pasa a adescribir los sigilosos movimientos de un asesino misterioso, preludio del famoso pasaje edípico.
Mientras la música sube en un crescendo imparable, el protagonista encara a sus padres: "Father... I wanna kill you... Mother... I want to...". En el disco, el "fuck you" que seguía fue reemplaado por un alarido de Morrison, tan primal y desesperado que, en un lugar de vehículo de censura, resulta un sustituo mucho más adecuado, por su enorme fuego adrenalínico, envueltos en una explosión de guitarras, teclados y batería.
En la calma post-climax, The end retoma el rumbo musical del comienzo y Morrison rubrica su gran oda a la pérdida de la inocencia: "Es el fin, hermosa amiga/ duele dejarte libre/ pero nunca conseguirás seguirme/ Es el fin de las risas y las mentiras blancas/ El fin de las noches que intentamos morir/ Este es el fin."
Los Doors
link: http://www.videos-star.com/watch.php?video=dbI5K0AzNHI
y la intro a Apocalypse Now, con The end como banda sonora
link: http://www.videos-star.com/watch.php?video=XOxVjtZujcU
Whole Lotta Love
¿Qué cosa, por más preciada, no sacrificaría cualquier banda de rock por tener un tema tan arrasador como Whole lotta love, aquel himno de Led Zeppelin que sólo palidece ante el atrctivo también atemporal de Stairway to heaven en el tope del ranking de Plant & Co.? Parte del atractivo es su estructura cambiante. El tema que marcó a fuego el álbum Led Zeppelin II, editado en 1969, comenzaba con un riff inolvidable de Jimmy Page poco antes de que la voz bravucona y testosterónica de Plant comenzara su prolongada plegaria erótica. Las primeras líneas de canto son contestadas por un glissando de la guitarra y rubricadas por un ritmo casi selvático de parte de John Bonham. Page explicó más tarde que el gemido descendiente de la guitarra proviene de la utilización de un slide metálico sobre las cuerdas al que le suma un efecto de eco con cintas pasadas
al revés.
Después de unos cuantos minutos de asalto sonoro, el tema cambia. Hay un nuevo pasaje sonoro dominado por campanitas como de un templo. Esto es logrado por Bonham, usando los palos en el centro de sus platos, mientras mantiene un sostenido ritmo en su charleston. Sigue un glorioso interludio de sonidos psicodélicos combinados con gemidos orgásticos, y un furioso y económico solo de Page que recupera más tarde el leit motiv del tema. Entre tantos estímulos sonoros, hubo tiempo para un alto al fuego: una nueva salva declarativa de Plant y un aullido de love que parece perderse en un abismo enorme, insondable.
Volvemos al riff principal y Whole lotta love es historia, yéndose en una rápido fade out.
Cuando salió en forma de simple en Estados Unidos, produjo reacciones de asombro. Nadie sonaba tan poderoso, amenazante y descaradamente sexual. Saltó al puesto cuatro del chart de diciembre de 1969 y se mantuvo en el ranking de Billboard durante trece semanas. Tuvo la distinción de ser el primer disco de Led Zeppelin que se publicó en la Argentina, traducido en la etiqueta como Un montón de amor. Como curiosidad, digamos que antes de ser editado en nuestro país por la compañís Phonogram (hoy Universal), fue muy difundido por el programa Modart en la noche, que lo anunciaba con el insólito título de El íntegro amor de Lotta.
Años más tarde, los críticos descubrieron algunas similitudes entre esta obra y la composición del bluesman Willie Dixon You need love, que grabó Muddy Waters. La peculiaridad no pasó inadvertida por la hija de Dixon, y el cuarteto inglés fue demandado por plagio en 1985. Dixon fue desde siempre un ídolo total para los miembros del grupo, quines decidieron zanjar el conflicto con un arreglo fuera de la corte, una compensación monetaria que el maestro del blues utilizó, entre otras metas nobles, para crear la Blues Heaven Foundation y así profundizar la apreciación de ese género musical.
Los enormes Led Zeppelin y Whole Lotta Love
El videoclip
link: http://www.videos-star.com/watch.php?video=XaRRcw4QXGU
Page y Plant, Toronto 1998
link: http://www.videos-star.com/watch.php?video=CujB122tRXs
Video de Slash, Satriani y el que canta en Linkin Park (lo puse más como rareza que por la verdadera calidad del tema)
link: http://www.videos-star.com/watch.php?video=vOxIdoTSLRg
Y Kiss haciendo este temazo en 1988, después de tocar unas cuantas basecitas de otros clásicos (el video se mueve como si el que lo filmó estuviera picando contra las paredes o haciendo pogo con Pantera)
link: http://www.videos-star.com/watch.php?video=9FPPICGDz30
All Along The Watchtower
En 1967, Bob Dylan editó John Wesley Harding, después del período de reclusión y convalecencia que siguió a un accidente motociclístico del año previo. Uno de sus temas fundamentales era All along the watchtower, que parecía aludir, en forma oblicua, a la frutración que sentía con su manager y grabadora, que al parecer le estaba pagando un porcentaje de regalías mucho menor al de su status artístico. En la letra hay un diálogo entre dos personajes: el joker, o sea el bufón, y el thief, el ladrón. "Debe haber alguna manera de salir de aquí" dice el primero, "hay demasiada confusión, nada que me alivie". Y se queja de los "hombres de negocio", que beben de su vino y de los labradores que aran su tierra, y agrega "ninguno de ellos
sabe lo que vale todo esto."
El ladrón le aconseja no preocuparse demasiado, ya que ambos están por encima de semejantes cuestiones materiales. "No hay razón para excitarse", le responde, "muchos aquí piensan que la vida no es sino una broma, pero vos y yo hemos pasado ya por eso, y ese no es nuestro destino. De modo que no hablemos en vano, que se está haciendo tarde." La impaciencia del ladrón es coherente con su idea de que hay cuestiones más importantes y urgentes de que ocuparse en la vida. Y como contraste final están las imágenes de la última estrofa: por un lado la placidez y el conformismo cortesano de esa especie de castillo o torre de vigilancia. Por el otro percibimos una especie de incierta amenaza en el panorama que se divisa a lo lejos, expresada en las dos líneas: "... a lo lejos, un gato montés gruñó/ Dos jinetes se aproximaban y el viento comenzó a aullar."
Jimi Hendrix era un gran fanático de Dylan y quizás se identificó con estas metáforas, ya que el también tenía un lío managerístico por haber firmado contratos poco claros. Ni bien la escuchó, decidió incluirla en el albúm Electric Ladyland. Partiendo del original acústico, hizo un arreglo eléctrico, añadiendo color y dramatismo (ya desde su comienzo casi marcial, con una percusión bien marcada) para alcanzar un climax en la parte central con unos solos devastadores. Se destacan especialmente los efectos de la guitarra slide (obtenidos con la ayuda de un encendedor), el arreglo de wah-wah y el alarido final de la guitarra.
El propio Dylan reconoció el poder de la versión de Hendrix y para su gira con The Band en 1973 diseñó un arreglo más denso que quedó registrado en Before the flood. Incluso llegó a confesar:"Es extraño como, cuando canto All along the watchtower siento que es un tributo mío a Hendrix, en lugar de ser a la inversa."
Cómo y cuando se le ocurrió la idea de grabarlo no está del todo claro. Dave Mason, de Traffic, que tocó guitarra acústica en el tema, afirma que Hendrix escuchó por primera vez John Wesley Harding en Londres, en una fiesta íntima con pocos amigos. Por su parte, Andy Johns, ingeniero de los estudios Olympic, sostiene que en más de una ocasión Hendrix había llegado al estudio con cintas de temas de Dylan. La cuestión es que se grabó el domingo 21 de enero de 1968. Hendrix había discutido con su bajista Noel Redding, de modo que se hizo cargo de las partes del bajo, en un instrumento que había sido de Bill Wyman, de los Stones. Se hicieron 24 tomas, hasta que todos los presentes estuvieron satisfechos con los resultados.
La versión de Dylan, en un interesante video
link: http://www.videos-star.com/watch.php?video=ki1eM9sls7M
La versión de Hendrix, en vivo en Isle of wight 1970
link: http://www.videos-star.com/watch.php?video=BCwCBh0z3Hs
Satisfaction
Según cuenta la leyenda, Satisfaction, esa canción propulsada por un riff irresistible que le vino a la mente, de la nada, a un músico que no conseguía conciliar el sueño. El año era 1965, el lugar, una habitación de hotel de Clearwater, Florida, y el hombre que tenía problemas para dormir era Keith Richards, primer guitarrista de los Rolling Stones, quien desde hacía no mucho tiempo había estrenado un flamante sociedad autoral con el cantante Mick Jagger.
En este caso, sin embargo, el insomnio probó ser fructífero. La recompensa para Keith fue que esa noche surgió en su cabeza una peculiar progresión de acordes. A la mañana sigueinte, Richards inmortalizó el riff de guitarra en su grabador portátil a cassette para hacérselo escuchar a su compañero de tareas, sugiriéndole (además) una frase a modo de nombre tentativo: I can't get no satisfaction (no consigo satisfacción).
"Era sólo un título provisorio", declararía Richards tiempo después, "nunca pensé que el tema sería suficientemente comercial como para integrar un single."
Afortunadamente, sus compañeros de grupo no estuvieron de acuerdo: el 10 de mayo de 1965, los Stones entraban en los estudios Chess de Chicago para grabar cuatro canciones destinadas a su tercer larga duración, Out of our heads, y además para registrar la primera toma de Satisfaction. Al día sigueinete volaron a Los Ángeles y completaron el tema durante una sesión de grabación de 18 horas en los estudios que RCA tenía en Hollywood.
Al riff característico de Richards, Mick Jagger le acopló una letra que hablaba de las frustraciones sexuales y sociales de un típico joven de los años sesenta, que veía crecer la sociedad de consumo a su alrededor sin poder obetener...bueno, ya se lo imaginan, ¿no? Decía "cuando miro la televisión/aparece un tipo que me dice/cuán blancas pueden llegar a verse mis camisas/pero no puede ser un hombre hecho y derecho/porque no fuma los mismos cigarrillos que yo/no puedo obtener satisfacción/por más que lo intento, una y otra vez..."
El simple fue editado primero en Estados Unidos, alcanzó el primer puesto del chart de singles el 10 de julio de 1965 y se quedó en ese lugar de privilegio durante cuatro semanas. En aquel entonces, como en el caso de los Beatles, las ediciones de los álbumes estadounidenses de los Rolling Stones diferís de sus similares inglesas. Fue así que la versión yanqui de Out of our heads terminón incluyendo dos exitosos singles de los Stones: The last time y el propio Satisfaction, y esa fue la compaginación que se utilizó en el ejemplar argentino, que salió titulado De nuestra imaginación.
A la fecha existen más de 230 versiones. La más bizarra es probable que sea la del grupo Residents, aunque el excéntrico cover que Devo puso en su albúm debut Q:Are we not men? A:We are Devo, no le va en zaga. Entre las más recordadas está la emotiva, sudorosa interpretación de Otis Redding, que supo ser los puntos altos del festival de Monterey 1967.
Demás está decir que Satisfaction se convirtió en un clásico para los propios Stones. Aún hoy, 42 años después, sigue siendo un favorito del repertorio de la banda.
La versión de los Rolling, en vivo en The Ed Sullivan Show 1966
link: http://www.videos-star.com/watch.php?video=O3jxmWU5lFA
La versión de The Residents
link: http://www.videos-star.com/watch.php?video=yHWf74kg2cc
La versión de Devo
link: http://www.videos-star.com/watch.php?video=CvcuaJy9OwI
I am the walrus
A mediados de 1967, mientras público, críticos y colegas derramaban alabanzas sobre Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band,los Beatles ya estaban de nuevo en actividad. El 25 de junio graban All you need is love, escrito para el programa Our world, como parte de la primer transmisión mundial de TV, con una audioencia estimada en 400 millones de espectadores. Lennon quería mostrar ante el mundo al amor como panacea universal, un mensaje acorde con el espíritu optimista que imperaba en aquellos meses del "verano del amor."
Ese clima de optimismo y buenas vibraciones se cortó de golpe en agosto del 67: cuando reciebieron la noticia de que su manager Brian Epstein habia fallecido por una sobredosis accidental de somníferos. La mejor panacea ante semejante pérdida fue embarcarse en la realización del film Magical Mystery Tour. El concepto había pensado por McCartney, tras leer sobre las aventuras de Kesey con sus Merry Pranksters. Paul recordó también las "giras misteriosas", una costumbre del norte de Inglaterra, según la cual algunas familias se subían a un omnibus contratado para un viaje recreacional cuyo detino final sólo conocía el conductor.
La idea era que los Beatles (más un puñado de actores) se subieran a un micro y salieran al camino a filmar lo que ocurriera. Pintado de amarillo y azul, el micro partió de Londres el 11 de septiembre de 1967. Tenían un argumento mínimo: Ringo y su tía Jessie visitan una agencia de turismo donde el encargado (Lennon) los convence de realizar una gira mágica. Mientras tanto, en el cielo, hay cuatro magos que arrojan sus hechizos sobre el ómnibus y convierten el paseo en un viaje surrealista.
Como banda de sonidos, editaron dos EPs con 6 temas y un librito de 24 páginas. Una de las canciones era I am the walrus, de Lennon. Su naturaleza cambiante se debe a que es la amalgama de por lo menos 3 ideas diferentes. La primera fue inspirada por escuchar desde su casa una sirena policial a la distancia, y comenzaba con las palabras "Mister city, police man city". La segunda era una melodía pastoral donde reflexionaba sobre sí mismo, sentado en el jardín de su casa. La tercera era un tema fantasioso y comenzaba con la imagen de un personaje sentado sobre un copo de maíz.
De acuerdo a su amigo Pete Shotton, el catalizador que unió las diferentes partes fue una carta que le envió a John un
estudiante que le contó que el profesor de literatura alentaba a los estudiantes a analizar las letras de los Beatles. Esto divirtió a Lennon, quien pareció decidido a confundirlos con las frases más sorprendentes e inconexas que se le pudiesen ocurrir. Le pidió a Shotton que le recordara una rima medio chancha que cantaban cuando niños, un equivalente a "sangre coagulada revuelta en ensalada" que recitan los niños argentinos; en inglés era algo así como "un flan amarillo saliendo del ojo de un perro muerto."
La frase "semolina pilchard" parece haber sido una referencia satírica al detective Norman Pilcher, quien tuvo cierta fama por perseguir a los artistas pop en busca de drogas Más tarde se descubrió que fabricaba evidencia para lograr sus fines y fue expulsado de la fuerza y enviado a prisión.
La parte "elementary penguin singing Hare Krishna" puede haber sido una broma al escritor Allen Ginsberg, quien en aquellos días solía cantar el mantra religioso en público. La figura de la morsa, en sí, proviene del poema de Lewis Carroll, The walrus and the carpentes.
Por otra parte, se dice que la referencia al eggman estaba dedicada a Eric Burdon, de los Animals, quien tenía la costumbre, durante sus escaramuzas amorosas, de romper huevos y esparcir el contenido sobre el cuerpo de su amante de turno, de allí el sobrenombre de "Hombre huevo" que le pusieron sus compañeros.La grabación de I am the walrus comenzó el 5 de septiembre de 1967 y duró buena parte de un mes, ya que el productor George Martin utilizó violines, cellos, bronces, clarinete y un coro de 16 voces para acompañar a los Beatles.
La versión beatle
link: http://www.videos-star.com/watch.php?video=cqOKvonLrH8
La versión de Jim Carrey (si, el actor) que aparece en el álbum de George Martin de 1988 In My Life. Al final de la versión, grita, "¡Lo hice! He profanado una eterna pieza de arte! Para mi próximo truco pintaré una cara de payaso en la Mona Lisa mientras uso el Santo Sudario como lona protectora!"
link: http://www.videos-star.com/watch.php?video=oPkytVdy5Us
La versión del maestro Frank Zappa
link: http://www.videos-star.com/watch.php?video=qVF66GVj8zU
Layla
La inspiración para el tema Layla le vino a Eric Clapton de una historia de amor de Medio Oriente, llamada Layla y Majnun.
Supuestamente, está basada en una historia real amibientada en el siglo VII, acerca de un pastor árabe que se enamora
perdidamente de una chica y termina enloqueciendo cuando su padre se opone a que se case con ella. De allí proviene el nombre del pobre enamorado, ya que Majnun Layla se traduce literlamente como "loco por Layla."
Es fácil de entender porqué la historia fascinó tanto a Clapton, pues por aquel entonces el ex-guitarrista de Cream estaba absolutamente loco de amor por Pattie Boyd, la esposa de sua amigo el beatle George Harrison, pasión que en ese momento aún no era correspondida.
Layla se transformó en el tema principal y título del abúm que grabaría en 1970 con Derek an The Dominos. después de la fama y la fiebre mediática que había rodeado sus grupos anteriores, Cream y Blind Faith, se había ido de gira(casi como terapia de recuperación) con la banda del dúo estadounidense Delanye & Bonnie. Más tarde convocó a todos esos músicos a participar en su primer albúm como solista, y de ese núcleo surgieron los miembros de Derek & The Dominos: Bobby Whitlock en teclados, Carl Radle en bajo y Jim Gordon en batería. Deseoso de grabar en las mejores condiciones posibles, reservó los estudios Criteria, de Miami, y contrató al experimentado ingeniero y productor Tom Dowd para que para que se hiciera cargo de las sesiones.
Quiso la fortuna que el guitarrista de los Allman Brothers, Duane Allman, estuviera por los estudios, quien pronto desarrolló una excelente química con Clapton y se transformó en un invitado de lujo en la grabación, compartiendo varios contrapuntos electrizantes.
La pasión que encendió Pattie en Clapton fue el disparador de los mejores temas; canciones como Why does love have to be so sad, I am yours, Bell botttom blues, el gran cover del tema de Billy Myles, Have you ever loved a woman y (por supuesto) el clásico que se convertitría en título del álbum y en número obligado en todos los recitales de Clapton en años venideros.
Lo curioso es que semejante hito en la carrera de Eric no fue grabado todo de golpe. La primer parte, la que contiene el riff característico de guitarra y la desesperada parte vocal de Clapton fue (duarnte varios días) todo lo que existió del tema; Dowd incluso llegó a efectuar una primera mezcla de lo ya grabado. Para sorpresa del veternao productor, después de un recital en Miami, los Dominos regresaron al estudio para registrar la segunda sección de Layla. Esta parte, instrumental, nació de un pasaje de piano que se le ocurrió (paradójicamente) al baterista Jim Gordon. Dowd debió transpirar y hacer uso de todas sus habilidades para que coincidieran las dos partes del tema, pero el resultado fue sorprendente: Derek & The Dominos habían grabado un clásico atemporal.
La versión de Clapton solista con el genio de Mark Knopfler en el Royal Albert Hall en 1997
link: http://www.videos-star.com/watch.php?video=_ae2uidckqE
The end
No fue casual que Francis Ford Coppola la eligiese como tema central de su fil Apocalipse Now. Con sus doce minutos de duración, su sonido envolvente y sus imágenes apocalípticas, The end cerraba grandiosamente un disco que el consenso del público y de la crítica especializada consideró como uno de los más impersionantes debuts de la historia del rock.
El tema comenzó como una simple canción de despedida de un amante, sobre una hipnótica progresión de acordes. Pero ya los otros Doors, el tecladista Ray Manzarek, el guitarrista Robbie Krieger y el baterista John Densmore, habían demostrado su habilidad para la libre improvisación durante las largas noches en que los Doors tocaron en clubs de Los Angeles como el Whiskey A Go Go, y fue así como The end se transformó en una larga composición donde la banda partía hacia destinos musicales imprevisibles.
Entretanto, Morrison correspondía con estrofas más profundas y enigmáticas, extraídas de su famoso cuaderno de poesía escrito en los días en que vivía en la playa de Venice. "Este es el fin/hermosa amiga, mi única amiga/ el fin de nuestros planes elaborados/el fin de todo lo que yace en pie... necesitamos desesperadamente la mano de un extraño/ en una tierra desesperada."
Buena parte de la magia atemporal de The end tiene que ver con ese matrimonio ideal de letra y música. Los sonidos se vuelven más densos y ominosos a medida que profundiza su relato de una sociedad compleja y dividida, un espejo de la brecha generacional de aquel momento, entre padres aferrados a una idea de felicidad basada en el credo del consumo y de la superioridad militar de los Estados Unidos sobre el resto del mundo; y sus hijos, en busca de una alternativa humanista para sus vidas y encontrando escollos casi insalvables en su camino: "perdidos en una romana desolación de dolor/ y todos los chicos están dementes... hay peligro en el borde de la ciudad."
La sección central trae la calma previa a la tempestad: menciona un símbolo sexual (la serpiente) y un lago antiguo, símbolo primigenio de vida, antes de irse al extremo opuesto e ironizar con la teoría de que "Occidente es mejor", todo esto en plena época de la guerra de Vietnam. De hecho, el ómnibus azul que menciona bien podría ser el que arreba a los soldados a los cuarteles. Luego pasa a adescribir los sigilosos movimientos de un asesino misterioso, preludio del famoso pasaje edípico.
Mientras la música sube en un crescendo imparable, el protagonista encara a sus padres: "Father... I wanna kill you... Mother... I want to...". En el disco, el "fuck you" que seguía fue reemplaado por un alarido de Morrison, tan primal y desesperado que, en un lugar de vehículo de censura, resulta un sustituo mucho más adecuado, por su enorme fuego adrenalínico, envueltos en una explosión de guitarras, teclados y batería.
En la calma post-climax, The end retoma el rumbo musical del comienzo y Morrison rubrica su gran oda a la pérdida de la inocencia: "Es el fin, hermosa amiga/ duele dejarte libre/ pero nunca conseguirás seguirme/ Es el fin de las risas y las mentiras blancas/ El fin de las noches que intentamos morir/ Este es el fin."
Los Doors
link: http://www.videos-star.com/watch.php?video=dbI5K0AzNHI
y la intro a Apocalypse Now, con The end como banda sonora
link: http://www.videos-star.com/watch.php?video=XOxVjtZujcU
Whole Lotta Love
¿Qué cosa, por más preciada, no sacrificaría cualquier banda de rock por tener un tema tan arrasador como Whole lotta love, aquel himno de Led Zeppelin que sólo palidece ante el atrctivo también atemporal de Stairway to heaven en el tope del ranking de Plant & Co.? Parte del atractivo es su estructura cambiante. El tema que marcó a fuego el álbum Led Zeppelin II, editado en 1969, comenzaba con un riff inolvidable de Jimmy Page poco antes de que la voz bravucona y testosterónica de Plant comenzara su prolongada plegaria erótica. Las primeras líneas de canto son contestadas por un glissando de la guitarra y rubricadas por un ritmo casi selvático de parte de John Bonham. Page explicó más tarde que el gemido descendiente de la guitarra proviene de la utilización de un slide metálico sobre las cuerdas al que le suma un efecto de eco con cintas pasadas
al revés.
Después de unos cuantos minutos de asalto sonoro, el tema cambia. Hay un nuevo pasaje sonoro dominado por campanitas como de un templo. Esto es logrado por Bonham, usando los palos en el centro de sus platos, mientras mantiene un sostenido ritmo en su charleston. Sigue un glorioso interludio de sonidos psicodélicos combinados con gemidos orgásticos, y un furioso y económico solo de Page que recupera más tarde el leit motiv del tema. Entre tantos estímulos sonoros, hubo tiempo para un alto al fuego: una nueva salva declarativa de Plant y un aullido de love que parece perderse en un abismo enorme, insondable.
Volvemos al riff principal y Whole lotta love es historia, yéndose en una rápido fade out.
Cuando salió en forma de simple en Estados Unidos, produjo reacciones de asombro. Nadie sonaba tan poderoso, amenazante y descaradamente sexual. Saltó al puesto cuatro del chart de diciembre de 1969 y se mantuvo en el ranking de Billboard durante trece semanas. Tuvo la distinción de ser el primer disco de Led Zeppelin que se publicó en la Argentina, traducido en la etiqueta como Un montón de amor. Como curiosidad, digamos que antes de ser editado en nuestro país por la compañís Phonogram (hoy Universal), fue muy difundido por el programa Modart en la noche, que lo anunciaba con el insólito título de El íntegro amor de Lotta.
Años más tarde, los críticos descubrieron algunas similitudes entre esta obra y la composición del bluesman Willie Dixon You need love, que grabó Muddy Waters. La peculiaridad no pasó inadvertida por la hija de Dixon, y el cuarteto inglés fue demandado por plagio en 1985. Dixon fue desde siempre un ídolo total para los miembros del grupo, quines decidieron zanjar el conflicto con un arreglo fuera de la corte, una compensación monetaria que el maestro del blues utilizó, entre otras metas nobles, para crear la Blues Heaven Foundation y así profundizar la apreciación de ese género musical.
Los enormes Led Zeppelin y Whole Lotta Love
El videoclip
link: http://www.videos-star.com/watch.php?video=XaRRcw4QXGU
Page y Plant, Toronto 1998
link: http://www.videos-star.com/watch.php?video=CujB122tRXs
Video de Slash, Satriani y el que canta en Linkin Park (lo puse más como rareza que por la verdadera calidad del tema)
link: http://www.videos-star.com/watch.php?video=vOxIdoTSLRg
Y Kiss haciendo este temazo en 1988, después de tocar unas cuantas basecitas de otros clásicos (el video se mueve como si el que lo filmó estuviera picando contra las paredes o haciendo pogo con Pantera)
link: http://www.videos-star.com/watch.php?video=9FPPICGDz30
